この授業では、特定の主題の描き方に焦点を当てるのではなく、niji の助けを借りながら、独学で学ぶ方法をお教えします。

このレッスンに付属する演習については、 📏 Study 1: 目で測る を参照してください

すべて（がなぜ美しいか）の理論

私は人生の大半を、この 2 種類の絵の狭間で過ごしてきました。

なぜ私の美術の先生は左の作品を「本物の芸術」ではないと思うのだろう？　どうして友達は右の絵を「つまらない」と思うのだろう？

（また、私がよく理解できなかったこのようなものもありましたが、みんなとても良いと思ったようです）

「好み」や「スタイル」の問題として片付けることもできますが、私はすべてを包括する芸術理論を知りたかったのです。

それがこのコースで教えられることです。 「アートの基礎」とも呼ばれるこの仕組みを理解すれば、どんなものでも描けるようになります。

このコースの前半は基本的なテクニックを向上させる方法に焦点を当て、後半はそれらのテクニックを使用して視覚的なコンセプトを発展することに焦点を当てます。 niji と古典芸術の手法を組み合わせて、あなたの体験をパーソナライズします。

なぜ博物館に収蔵されるのか？

[この絵で何が起こっていると思いますか？］

次に、同じ時代に書かれたこの作品について考えてみましょう：

皆さん、これは、giotto の絵からほぼ 1 世紀後の 1387 年に書かれたカンタベリー物語の最初の一文です。そしてそれは、英語を母国語とする人たちにとっても、不可解なことです。

しかし、私たちがその時代の絵を完全に理解できるというのは驚くべきことではないでしょうか?

Accidental Renaissance

メディアを問わず、古典的な感覚を発見することに特化したサブレディット(Reddit のカテゴリ)があります。

基本的なこと：時代を超越した組織コンセプトを、あなたのカメラ付き携帯電話で！

上の写真では、ストーリーを伝えるための情報が曖昧になっています。 いくつかのことを言わないでおくと、視聴者が想像する余地が生まれます。

Bouguereau も同じ技法を使っています。彼は聖母の腕を描いていません。しかし、その必要はありません。彼女に腕があるという情報は、絵の残りの部分からすでに十分に得られています。

視覚的抽象化

では、「抽象化」をどのようにアートに応用すればいいのでしょうか？

この文章の流れを考えてみましょう。

1) 彼女は優雅な落ち着きを見せながら、グラスをそっと口元に向かって持ち上げ、グラスの中の贅沢な深紅色の液体を、意図的かつ制御された方法で少しずつ舌に接触させている。

2) 彼女は繊細な優雅さで、素晴らしいメルローの入ったグラスを少しずつ口に含んだ。

← 現実はこのあたり →

3) 彼女はワインで満たされたグラスをそっと飲みました。

4) 彼女は赤ワインのゴブレットを味わいました。

[これらの絵についてどう思いますか？　抽象的なものから順に並べてみてください？］

このスケールの最も抽象的な側と最も現実的な側の両方が奇妙に感じられることに気づくでしょう。 「真実」とは、必ずしも最も現実的なものであるとは限りません。 これは、観客が信じることができる出来事のバージョンです。アーティストの優れたスキルは、観客に働きかけるのに十分な情報を提供し、残りの部分は彼らの心に委ねることにあります。

観客に真実を納得させる

リアル VS 抽象は、議論を揺さぶる2つの方法です。

リアリズム：外側から内側への議論

それが本物に見えるなら、それは本物に違いありません。 リアリズムは証拠を通した真実です。

抽象化: 内側から外側への議論

人間のように歩き回るなら、人間のように愛すべき存在に違いありません。抽象化とは誘導による真実です。

この 2 つの間の空間は、最もナビゲートするのが難しい、不気味の谷です。 観客は抽象 VS リアリズムの区別を知りませんが、スケール上で何かが間違っていることを本能的に感知します。

しかし、境界線を明確にすれば、その見返りは大きくなります。 ここでは、彼女のジャケットは現実的ですが、彼女の顔は抽象的です。 この絵では、両方を組み合わせた魅力を持っています。

しかし、超抽象的なものについてはどうだろう？

この文脈を考えると、guernica はとっつきにくいと言えます。文章にすると次のような感じになるからです。

これはジェームズ・ジョイスの作品、「若き芸術家の肖像」(1916年に書かれた教養小説的な要素や自伝小説的要素もある小説)の最初の文です

あなたは頭をかいて、この種の文章が何に役立つのか疑問に思います。 （文学的な「もの」以外）

理由 1: 新しいアイデアは明確に形成されておらず、理解しにくい場合があります。

これは『ニューロマンサー』(1984年にウィリアム・ギブスンによって書かれた長編SF小説)からの抜粋です。これが書かれた当時、どれほど漠然としたものだったかは想像に難くない。

このようなあいまいなシーンがサイバーパンクのジャンルの基盤を形成していることがわかります。小説の後に、アーティストたちが『ニューロマンサー』のこれらの抽象的なシーンを徐々に誰もが見ることのできる「真実」として描写してきました。

理由2：人々は独占的で新しいアイデアに参加するために多額のお金を支払うため、意図的に他の人々を排除するアイデアを求めます。（これはおかしな考え方のように思えるかもしれませんが、ファインアート(純粋芸術)に関してはよく受け入れられている考え方です。）ピカソ自身も優れた芸術家であるだけでなく、優れたセールスマンとしても知られています。

もちろん、これらは境界線上の例であり、ほとんどのアートスタイルはその目的によって決定されます。

この2つのコンセプトは同じ基本原則を持っていますが、全く異なることを述べています。

したがって、「スタイル」を身につけることを心配する必要はありません。「スタイル」の表面を剥がして、視覚情報を整理する方法を学びましょう。それがどのように見えても、本質的には主語、動詞、目的語にすぎません。文章のメッセージや文章の書き方ではなく、その言語の響きを愛することを学びましょう。それができたら何でも描けるようになりますよ！

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