Verisimilitude：真実味

以前にも話しましたが、真実を証明する最も強力な論拠は現実です。 結局のところ、私たちは皆その中で生きています。 私たちが絵を描くとき、私たちは観客に、それが本物であると伝えることで、私たちの言うことを信じてもらうことになります。

しかし、それはどちらにも当てはまります。アーティストの究極の目標は、とても真実で、本物だと感じられることです。これを「真実味」と呼びます。

これらの絵は「本物」ではありません。 上のものは輪郭がはっきりしていて、下のものはレンダリングが不十分です。

それなのに、描かれた寿司が本物以上にリアルに見えるのはなぜでしょうか？

寿司の魅力を伝えるために、アーティストが絵の情報を丁寧に整理しました。

あなたが見ているこれらの絵は、「写実主義」という芸術スタイルの何百年にもわたる洗練の結果です。

今日は、歴史を少し歩きながら、アートスタイルの進化とその背景にある技術についてお話ししましょう！

Portrait：肖像画

その昔、肖像画は非常に実用的な役割を果たしていました。

その人がどのような外見をしているかを教えてくれました。 今日の証明写真のようなものです。

17世紀には、視覚的データは非常にまばらだった。画家にとても魅力的な肖像画を描いてもらうことができれば、それはあなたが非常に魅力的な人物であるということです。

チューダー朝のイングランドの多くは、Hans Holbein the Younger のレンズを通して見られます。 この有名な絵で彼を知っているかもしれません。

イースターエッグが見えますか？

床に頭蓋骨が隠されています。 頭蓋骨が最も有名な部分ですが、絵にはイースターエッグがいっぱいです。 2 つの人物の間にある棚に注目してください。 一番上の棚は天を表しています。 したがって、一番上の棚にある器具、つまり天球儀、日時計は、時間と天国を測定する器具を表しています。 一方、一番下の棚は地球を表しており、数学の本、楽器、地球儀など、世俗的な事柄が含まれています。

リュートには弦が一本切れていて、教会と国家の不和を表しています。

Holbein 流のこだわりのリアリティ！

これらの主題の扱いの違いに注目してほしい：

高貴な女性

神話上の人物

自分の家族

女王

そして、Holbein があなたを描いたら、その表現は歴史の目にあなた自身として残ります。 結局のところ、この「証明写真」に反論することはできない。

そして、これらの肖像画は「現実的」でありながら、描かれる人物の幻想的な仮面となったのです。

英国女王エリザベス1世の肖像画ほどそれが顕著なものはありませんでした。

たとえば、これはエリザベス 1 世が女王になる前の初期の肖像画です。

そして、ほとんどの君主と同様に、彼女は統治期間中、このようにして自分自身の多くのイメージを作り上げました。

しかしその後、この絵の周りで何かが起こり始めました。 画家の名前は時の流れとともに失われていますが、この有名な作品は Darnley の肖像画として知られています。

この絵の後、エリザベス1世の広報部門は、アニメが君主にふさわしい最高のイメージであると判断したかのようだ。 彼らは、神話を彷彿とさせる幻想的な衣装や宝石で女王を飾りました。

最も有名なこの作品は、スペイン無敵艦隊の敗北を祝うものです。

そんな肖像画を見たら、空に手を伸ばして「流星」を放っても不思議ではない。 間違いなく、これが彼女が臣民に伝えたかったイメージです。

エリザベス朝時代の英国で制作された絵画の種類は、制作方法を反映しています。 イメージを作成するには、被写体は何度もセッションに参加する必要がありました。 また、イエスのレッスンで述べたように、絵の具自体に多額の費用がかかりました。

しかし、制作方法の違いにもかかわらず、当時のアーティストは今日のアーティストと同じ目標、つまり現実をより美しく壮大な真実に語り直すという願望に集中していました。 これらのエリザベス 1 世の肖像画はおよそ 400 年前に作られたものですが、このデザインが現代でもビデオゲームのラスボスとして通用するものであることに驚かされます。

アーティストのエリザベス1世は彼女の「スタイル」を確立するのに生涯を費やしましたが、これらの肖像画が革新したものの多くは、芸術的テクニックではなく主題に基づいたままです。

物事はさらに速くなり、現代で「スタイル」と呼ばれるものの爆発的な普及が目前に迫っていました。

Plein Air：戸外技法（絵を屋外で描くこと）

19 世紀にさかのぼると、チューブ絵の具という驚くべき発明が世界を席巻していました。

古い絵画が息苦しく見えるとしたら、それはほとんどの場合、文字通り室内で描かれていたからです。 屋外を背景にした複数人物の絵画であっても、画家はスタジオにモデルを来させて、一人ずつ描くことができました。

このため、スタジオはシンプルな単一光源の照明用にセットアップされていた可能性が高いため、chiaoscuro のようなテクニックが流行しました。 (近代的な照明が普及する以前は、屋内は一般的に暗かったでしょう)。

突然、新しいポータブルなチューブ絵の具が登場し、画家は作品を外に持ち出せるようになりました：

そして、彼らは絵の具をどこにでも持って行きました

パーティーに：

池に：

バレエ教室にも

この外光技法は、芸術の分野に大きな変化をもたらしました。 色が明るくなりました。 照明条件はより複雑になりました。

屋外で絵を描いたことがある人なら、条件をコントロールするのが難しいことがすぐにわかるでしょう。 ある瞬間そこにあった光が、次の瞬間には突然消えてしまいます。 物事は動き、変化します。 ビーチで遊んでいる子供たちは、ポーズをとるために止まってはくれません。

そのため、細部ではなく、瞬間的で儚い感情を捉えることが重要になりました。 アーティストはより速く絵を描くことを学びました。

この技術の緩さは肖像画にも再び影響を及ぼしました：

初期の作品と比較すると、Sargent の肖像画は非常に生き生きとして見えます。なぜなら、彼は現実を彫り出すことに時間を費やすのではなく、真実を描いたからです。

Photography：写真術

しかし、このように流動的である場合、ディテールを正確に把握するのは難しいという事実は変わりません。 結局のところ、モデルにギリシャの女神のような服を着て森へ出かけるように言ったら、彼女はすぐに寒くなるでしょう。 寒くなる前に急いで描いてしまうと、ディテールまで正確に表現できなくなります。

しかし、もしカメラがあれば、スタジオに戻って絵を描く前に、彼女に野原を少し散歩させて、必要なショットをすべて撮影することができます。

これはまさに、カメラの人気が高まっていた 20 世紀初頭、John William Waterhouse がやったことです。

Norman Rockwell の時代までに、参考写真は芸術となっていました。

Waterhouse の描いた絵がカラー写真のように見えると感じたなら、それはその通りです。 コントラストが非常に写真的であるだけでなく、ショットのフレーミング方法にも、参考にした痕跡が残っています。

鍋、椅子、レンガなどの背景オブジェクトに注目してください。

ルネサンスの画家なら、絵画の制作には長い時間がかかるため、寓意的なオブジェクトを慎重に配置したでしょう。

印象派の画家なら、光を捉えられるのはほんの一瞬だけだったので、不定形な色の塗りつぶしに変えただろう。

しかし、Waterhouse は、彼が撮った写真に写っているとおりにそのまま描きました。 それらは強い意味を持っていませんし、激しく抽象化されていません。 それらは単に斜めに置かれた植木鉢、椅子、レンガです。 中にはフレームから外れてしまっているものもある。

また、彼がまったく異なるカメラを持っていただろうということも注目に値します。

正確な参考写真ではありませんが、Waterhouse の時代の写真は次のような感じだったでしょう：

それを Rockwell の写真と比較すると、カメラ技術の進歩をイラストに見ることができます！

現在では、デジタルメディアのアーティストたちは、写真を参照することを次のレベルに引き上げています。

「リアリズム」という性質は同じですが、現代の「リアリズム」は昔の「リアリズム」に比べてはるかに洗練されています。 現代の絵を見ると、人類が行ってきた文化的および技術的改良の痕跡が折り畳まれているのがわかります。

AIが進化し、アーティストが「niji」を参考にするようになると、どんな新しい様式美が世に送り出されるのでしょうか！

あなたの頭の中にある真実のかけら

この目的は最終的には世界についての特定の視点を提示することです。 人間が現実をスタイリングするために発見したさまざまな方法を考えると、アートの「スタイル」は、特定のアーティストが採用することを選択したテクニックのサブセットです。 最終的な結果は、アーティストの好みの主題と好みのアートテクニックの組み合わせです。

Waterhouse-節(verse)はケルト、Athurian のファンタジー

Sorolla-節(verse)はスペイン海沿いの夏

Rockwell-節(verse)は牧歌的な60年代のアメリカ

興味深いのは、Sorolla-節が浜辺を越えて広がっておらず、Waterhouse-節も草原の外に存在しないことです。 ハリー・ポッターのホグズミードの町が 1 本の通りにすぎないのと同じように、その必要はありませんが、バター ビールの香りを嗅ぎ、チョコレートのカエルを見るにはそれだけで十分です。

リアリティーの創造

芸術は真理を捉えようとするものであり、人間の経験という真理には時間的な次元があります。やがて、コミックという連続した絵の芸術が発明されました。

しかし、ストーリーを語るのに必要な量が膨大になると、リアルな絵を制作するのは負担が大きすぎます。 よりシンプルな表記法を開発する必要がありました。

この歴史の中で特筆すべきイラストレーターは手塚治虫です。 彼の最高傑作「火の鳥」は、34 年間の生涯をかけて書かれました。 「火の鳥」を通して、私たちは彼の速記記法の発展をはっきりと見ることができます。

彼は 1954 年に、アニメーションに適したシンプルで弾力のある曲線からなるディズニー記法から開始しました。

1988年の『火の鳥』最終巻では、彼のスタイルは明らかに我々が考える "漫画 "に近づいていました。

彼は現代の猫娘を発明しました。

高橋留美子の犬の少年など、その後の作品にも彼のスタイルの影響がはっきりと見て取れます。

そしていつしか、アニメ・キャラクターのデザインにさまざまな動物の耳を取り入れることが自然になりました。

最近、この殿堂に加わったのが馬のキャラクターです：

Niji はきっと私たちが獣耳キャラクターが好きなことに気づいてくれたんだ！

現実世界の物体に何の根拠も持たず、今日のアーティストによって開拓されているスタイルは、空に塔を建てるようなものです。 私たちは、現実の外側に存在する真実を提示するという信じられないことを行っています。

私のスタイルとは？

美大生がレンダリングの基本をマスターすると、一般的な見習いの質問は、「私のスタイルは何ですか？」、「私が現実をどのように独自に解釈する方法は何ですか？」というものです。

一見答えるのが難しい質問ですが、それは間違った方向に組み立てられているからです。 スタイルは誰でも作ることができますが、それが良いスタイルであるとは限りません。 より明確な枠組みは、「他の人が一般的にやらない方法で現実を表現し、なおかつ他の人がそれを理解できるようにするにはどうすればよいでしょうか?」というものかもしれません。

そしてもちろん、それは逆説的です。 観客が以前にそれを見たことがあれば、理解する可能性が高くなります。 しかし、彼らがそれを理解したとしても、それは他の人が以前に行ったことから要素を借りていることになり、オリジナルではありません。

この「オリジナル」スタイルは、その定義から考えると、発明するのが困難です。 そうなってくると、ひとつのアーティストのスタイルが他のすべてのものよりも優れていると言えます。

ピカソが抽象的な形をすべて取り入れたのは、まさに広告の天才の一手です。 今日、こういう絵を描くとピカソと言われるようになりました。 したがって、この要素を除外すると、私たち残りの人々は個人的なスタイルを洗練させる際にもっと慎重である必要があります。

そのために、ひとつだけアドバイスがあります。それは、このコースを通して私が繰り返してきたことと同じです。自分の好きなアートを研究してください。

この指導は単純に聞こえるかもしれませんが、いくつかの繊細なところがあります。

それは、言いたいことと聞きたいことの違いです。

コミュニケーションと同じように、少し立ち止まって聞くことで、最もよく学ぶことができます。

これは興味深いスタイルのエクササイズです：

ダウンロード フォルダ、「いいね！」タブ、リポストリストなど、あなたがアートを追跡している場所を開いて、保存やハートをクリックした直近の20枚ほどの画像の共通点を探してみてください。

見つけましたか？

それがあなたの好きなアートです。 多くの人は、それが自分の好きなコンセプトや自分が作ったアートではないことにショックを受けています。

このアートは、勉強を始めるのに最適な場所です：オリジナルのアーティストは、メッセージをあなたに届けるためにすでに多大な労力を費やしているため、この絵には、他の人が理解できるようにするための隠されたパターンがたくさん含まれています。

これらのパターンを内面化したら、それらのコピーから独自のコンセプトを構築できます。 あなたが表現したいコンセプト（自分の作るアートや好きなコンセプト）と、あなたに届いたアートの隠れたパターンの組み合わせから、あなたの「スタイル」が自然と生まれます。

私の仕事のほとんどはアニメキャラクターの制作に関係していますが、これまでにデザインしたすべてのキャラクターの中で、アニメでも人間でもない、機械学習のイラストでもない猫、blk cat が最も人気があります。 これはまったく意図的ではありませんでした。 思い返してみると、それは丸い小さな動物の写真に異常に感動するからだと思います。

自分のスタイルを見つけるという点では、他人に真実味を与えるのではなく、自分の耳に真実味を与えることに集中することです。

結局のところ、人は一人では生きていけない。もしあなたが本当に自分にとって完璧な絵を作ることができたなら、それは必ず他の人の共感を呼ぶはずです。

最終的に人間のアートを作成するか、AIのアートを作成するか、またはその両方の組み合わせを選ぶかどうかは、あなた次第ですが、私はあなたに外に出て、草に触れて、独自の現実の一片をアートの中に持ち込むことをお勧めします。

自分自身のためにアートを作れば、いつも幸せでいられます！

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